C’est quoi le Foxy Loir Challenge ?

Le Foxy Loir Challenge est un challenge créatif lancé sur les réseaux sociaux par deux copines créatives Julie de @fantastiquemadamefox et Claire de @lapanthereloir. La première adore les paysages, les renards et l’aquarelle, mais aussi les neo color. La seconde est illustratrice en fantasy et manie aussi bien l’aquarelle que le digitale.

Deux fois par an, elles se réunissent pour concocter ce challenge qui dure sur une mini semaine. Juste avant Inktober, elles proposent la version « 5 jours, 5 monstres » et cette année le thème portait sur les éléments : l’eau, le feu, la terre, l’air puis l’esprit. De quoi vraiment créer en toute liberté du 23 au 27 septembre 2026 !

Mon angle d’attaque créatif

Depuis trois ans que je suis le Foxy Loir Challenge, j’ai dû rater une seule édition par manque de temps. Pour participer et quand même trouver le temps de travailler, manger, et vivre (lol), j’ai pris plusieurs décisions avant de ne pas passer plus de 3h par jour sur chaque illustration.

• un thème principal : le folklore français (imaginé ou mythe établis)
• un format petit : le polaroïd dans un carnet accordéon fait par mes soins avec du papier 100% coton
• un croquis basique : des recherches rapides au crayon mais ni croquis trop long, ni transfert de dessin avec un calque ou une table lumineuse, juste à main levée.
• une session d’aquarelle courte avec peu de couches
• pas de recherche préalable sur les couleurs, à l’instinct et à l’envie.
• un matériel restreint : un crayon de bois, une gomme, un crayon fin waterproof gris et ma palette d’aquarelles artisanales de voyage

Ainsi, j’ai fait en sorte de ne pas passer trop de temps sur chaque aquarelle. J’ai quand même consacré, sans compter les histoires que j’ai écrites à côté, au moins 2h30 pour chaque thème.

Alors, c’est parti, je vous emmène avec moi dans cette aventure « monstrueuse », pas si monstrueuse.

Mini avertissement : si le plésiosaure a existé (même si ce n’était pas dans les lacs en tant que squelette fantôme), la sirène des volcans est une totale invention de ma part et ne repose pas sur du folklore existant. La légende de la Bête du Gévaudan existe, mais pas celle du renard du Larzac. Les histoires autour de la Dame Blanche sont nombreuses, mais j’ai inventé ma propre version. Pour finir, libre à chacun de croire que ces entités existent réellement ou non 😉

L’eau : le plésiosaure hantant les lacs de France

Le feu : la sirène des volcans

La terre : Le renard du Larzac

L’air : la Dame Blanche

L’esprit : le Diable

Pour finir

Fierté d’avoir participé !

Je suis particulièrement reconnaissante à Julie et Claire pour continuer d’organiser ce challenge. Non seulement j’ai adoré les thèmes, mais en plus cela m’a permis de reprendre les pinceaux après une petite pause.

Je suis fière d’avoir participé mais aussi bien contente de mes illustrations. Même si leur simplicité n’est pas à mon goût, j’ai beaucoup aimé changé de façon de peindre : tracer des traits puis peindre, au lieu de me cantonner à mon dessin habituel à l’encre de chine.

Bilan sur ma palette de voyage

Sans surprise ma palette de voyage est géniale.

La palette de mélange fabriquée par Lucie La Pigmentière s’adapte parfaitement. Mes rangements pour les pinceaux sont à perfectionner, cependant ce n’est pas gênant.

Ni trop de couleurs, ni trop peu. J’ai les couleurs de base pour faire plein de mélanges, certaines couleurs que j’utilise beaucoup trop pour ne pas les avoir toutes prêtes à l’emploi, et quelques couleurs bonus/chouchou. Si un article de blog sur le choix de mes couleurs vous intéresse, n’hésitez pas à me le dire !

En juillet 2026, Toulouse a accueilli le 14ème Symposium International Urban Sketchers, un événement qui a rassemblé pendant quatre jours des dessinateurs venus du monde entier. J’ai décidé de partager avec vous aujourd’hui ce que j’ai appris durant cet événement hors du commun.

Intro

Je ne suis pas « urban sketcher ». Je suis aquarelliste, et je travaille le plus souvent seule dans mon « atelier » (autrement dit, à mon bureau dans mon appartement). On pourrait donc se dire que je n’étais pas visée par ce type d’évènement, et pourtant, me voilà à vous en parler.

Comme quoi la couleur, l’aquarelle, ça fait voyager, et ça nous sort de notre petite zone de confort !

Alors, pourquoi cet événement m’a-t-il autant marquée ? Parce qu’il a été pour moi une véritable révélation… Non, je ne deviens pas urban sketcheuse, mais… Je crois que nous pouvons tous être urban sketcheur ! Il suffit de se lancer…

Qu’est-ce que l’urban sketching ?

L’urban sketching consiste à dessiner sur le vif, directement face à son sujet. Une rue, un café, une gare, un arbre, des passants…

Le mouvement Urban Sketchers serait né en 2007 autour d’une idée simple : montrer le monde, un dessin à la fois. Sa charte insiste sur l’observation directe, le partage et la diversité des styles : il n’existe ni technique imposée, ni niveau minimum pour participer.

Pour moi qui suis observatrice et qui aime contempler, l’urban sketching était assez impressionnant. Finalement, on y croise aussi bien des dessinateurs professionnels dessinant à l’encre avec une précision incroyable que des aquarellistes aux techniques très libres et non académiques ! Et vu l’exercice, même les professionnels font, volontairement ou non, des dessins qu’un quidam jugerait en un coup d’oeil : « oh mais même mon fils de 4 ans fait mieux ! ».

Comment trouver un groupe près de chez soi ?

Si l’expérience vous tente, le plus simple est de chercher s’il existe un « chapitre » (c’est comme ça que ça s’appelle) Urban Sketchers près de chez vous. Le réseau est organisé en groupes locaux qui proposent régulièrement des sorties pour dessiner ensemble.

À Toulouse, le mouvement est notamment porté par l’association Dessiner sur le vif, qui rassemble les personnes intéressées par le dessin sur le terrain et organise notamment des rendez-vous à thème.

Il est également assez facile de trouver ces groupes sur les réseaux sociaux, notamment en recherchant « Urban Sketchers » suivi du nom de sa ville, ou en passant par les réseaux Urban Sketchers.

Le Symposium Urban Sketchers de Toulouse, c’était quoi ?

Du 15 au 18 juillet 2026, Toulouse est devenue un immense terrain de dessin. Des milliers de participants venus de nombreux pays se sont retrouvés pour suivre des ateliers, assister à des conférences, participer à des démonstrations et surtout dessiner ensemble dans toute la ville.

Les places du Capitole, les quais de la Garonne, les marchés ou les rues de la Ville Rose se sont transformés en ateliers à ciel ouvert. Rue du Taur, où se trouve la boutique de créateurs Les curiosités d’Arboria, où je suis exposante, il y avait même des rendez-vous officiels ! J’en parle juste après…

Le Symposium ne se résumait pas aux activités réservées aux participants inscrits. Plusieurs rendez-vous étaient ouverts au public ET gratuits. C’est ceux-là que j’ai repérés, parce qu’ils me permettaient de découvrir l’urban sketching sans avoir besoin de me lancer dans un atelier payant au thème éloigné de ma pratique. Et soyons honnête, je ne savais même pas qu’il fallait s’inscrire… Je l’ai appris sur le tas !

Et c’est finalement l’un de ces rendez-vous (gratuits et publics) qui m’a permis de franchir le pas. Parmi eux, les « Drink ‘N Draws » me faisaient particulièrement envie : des rendez-vous très simples où l’on se retrouve pour manger ou boire un verre avant de sortir son carnet pour dessiner ensemble.

Je deviens urban sketcheuse pour un soir !

J’ai eu la chance que l’un de ces rendez-vous ait lieu dans mon quartier, un endroit où je passe pas mal de temps, en fin de journée. C’était l’occasion idéale de me lancer… même si, pour être honnête, j’étais très intimidée.

Une de mes amies, bénévole du symposium, a fini par m’y donner rendez-vous. Je ne pouvais plus reculer. Et c’est sa présence qui a été un coup de pouce pour moi : je me suis installée par terre avec d’autres dessinateurs, comme ça, aussi simplement ! Une fois assise, j’ai pu faire comme le reste du troupeau, me camoufler, incognito ! C’est tout ce à quoi j’aspirais : que personne ne me regarde !

Et une fois assise, un peu calmée, je me suis rendue compte que j’aurais pu m’assoir avec ce groupe même sans mon amie, car personne n’a semblé vouloir nous demander nos papiers d’identité ni questionner ma légitimité à les rejoindre. Tous étaient concentrés sur leur dessin de l’instant, leur sujet et éventuellement prêts à partager des remarques sympathiques et des saluts.

Pour cette raison, j’ai trouvé cette communauté hyper bienveillante. Dans une forme de bienveillance passive : chacun fait sa popote de son côté mais ensemble. Chacun est concentré sur sa propre pratique et son propre sujet.

J’ai d’abord observé et prenant mes aises, j’ai fini par sortir mon matériel. C’est finalement le fait d’être déjà sur place qui m’a fait basculer. Finalement, je crois que le plus difficile n’était pas de dessiner, mais de venir et d’oser m’installer.

Depuis mon bureau, j’ai beau me dire que j’aimerais bien tenter l’urban sketching mais tant que je ne suis pas dehors, il ne se passe rien. Ce soir-là, le mélange d’un engagement envers une copine et du caractère exceptionnel (international !) de l’événement m’a offert l’occasion d’enfin mettre le pied à l’étrier.

Trouver son propre point d’accroche

Il y avait pourtant une autre difficulté pour moi : je ne savais pas vraiment quoi dessiner.

Mes sujets habituels sont les animaux ou les situations imaginaires. J’aime beaucoup le thème de la rencontre. C’est plutôt difficile de transposer tout ça, du moins de mon point de vue. Le rendez-vous au bord de la Garonne un soir de juillet n’offrait pas ces sujets-là, a priori. L’urban sketching me demandait donc de changer complètement mon fusil d’épaule.

Ce qui m’a finalement permis de me lancer, c’est de trouver un élément qui me parlait vraiment. Ce soir-là, il y avait un très beau clair de lune juste à côté du dôme de La Grave.

Je ne sais pas si c’est comme ça qu’on fait de l’urban sketching, mais il m’est même venu à l’esprit que la prochaine fois je pourrais tout aussi bien peindre ce que je vois et ajouter une lune ou un animal inexistant – histoire de m’aider à peindre des scènes de ville.

Allez, prochaine fois : une poubelle qui déborde avec des rats qui font la fête !

Une fois mon sujet trouvé, je me suis lancée. L’avantage du carnet en papier aquarelle, c’est qu’on ne peut pas gommer 36 fois au risque d’abîmer le papier. J’ai donc posé des premiers traits, qui ne m’ont pas convenu. Et c’est là que l’entraide du groupe m’a été particulièrement utile. Mon amie s’est penchée vers moi et m’a donné un petit tips d’urban sketcheur et hop c’était bon ! Et ça, j’ai trouvé ça précieux.

Apprendre à finir un dessin… même quand il n’est pas fini

Pour quelqu’un qui a l’habitude de travailler à son bureau, avec tout le temps nécessaire pour commencer une illustration et la terminer, l’urban sketching peut aussi être assez déroutant.

Il faut accepter de sauter certaines étapes.

Par exemple, j’ai l’habitude de dessiner à la plume et à l’encre. Mais sur place, sortir ma plume, mon encre et tout le matériel nécessaire me semblait beaucoup trop compliqué.

Je n’avais pas envie de remplacer complètement cette façon de faire par un simple stylo, alors je suis finalement restée sur une première esquisse au crayon de papier.

Et puis il y a le temps.

En urban sketching, le dessin n’est pas forcément terminé parce que vous avez décidé qu’il était terminé. Il peut l’être parce que le sujet disparaît.

C’est particulièrement évident lorsque l’on dessine des personnes : elles bougent, changent de position, se lèvent et parfois quittent tout simplement les lieux. Il faut alors accepter que le dessin s’arrête là où il en est.

Mais même lorsqu’on dessine un bâtiment, un paysage ou une rue, le temps peut imposer sa propre fin. La lumière change, une animation commence, quelque chose se passe dans la rue… ou tout simplement, la session de dessin se termine.

C’est exactement ce qui m’est arrivé ce soir-là. Le groupe commençait à partir et je ne me voyais pas rester seule. Mon dessin était donc terminé, que je le considère ou non comme terminé.

Et finalement, cette contrainte est intéressante.

Elle oblige à aller un peu plus vite, à moins s’attarder sur chaque détail et à accepter qu’un dessin puisse être imparfait.

On peut toujours décider de le reprendre plus tard, de le retravailler, de recommencer le sujet autrement la prochaine fois, ou simplement d’essayer d’être plus rapide la fois suivante.

Dans mon cas, je n’ai d’ailleurs toujours pas retravaillé ce premier croquis. Mais j’en ai bien l’intention, parce que j’aime vraiment ce que j’ai réussi à capturer ce soir-là : la vue sur la Grave, le clair de lune, la lumière qui se réverbérait sur les murs de briques et ce ciel d’un bleu presque noir.

La prochaine fois, je crois simplement que j’essaierai d’être plus rapide. Et que j’accepterai d’en faire soit des dessins terminés, soit des dessins préparatoires.

Seul devant sa feuille, mais jamais vraiment seul

C’est probablement l’une des choses que j’ai le plus appréciée dans cette expérience : l’urban sketching est une activité très individuelle qui se pratique pourtant en collectivité.

Pendant que l’on dessine, chacun est finalement seul face à sa feuille. On peut observer, réfléchir, essayer, se tromper… tout en étant entouré de personnes qui font exactement la même chose.

Et puis, lorsque quelqu’un termine son dessin, les échanges commencent naturellement.

On discute de la technique utilisée, de la façon dont on a choisi son point de vue, de la manière dont on a réussi tel ou tel détail. On découvre des façons de faire complètement différentes de la sienne.

Par exemple, j’ai été assez amusée par une remarque que l’on m’a faite ce soir-là.

Comme j’ai l’habitude de peindre à mon bureau avec des pinceaux assez fins, j’ai naturellement conservé cette façon de travailler. Quelqu’un a été très étonné par la minutie de certains détails de mon dessin et m’a demandé quel était mon secret pour réussir à peindre des choses aussi précises.

La réponse était finalement beaucoup moins mystérieuse que ce qu’il imaginait : je n’utilise tout simplement pas de pinceau à réservoir d’eau. J’avais apporté mon petit pinceau fin habituel.

C’est un détail, mais j’ai trouvé cet échange très intéressant. Parce que lorsque l’on travaille seul, on finit par oublier que notre manière de faire n’est pas forcément celle des autres. On ne se rend pas toujours compte que certaines de nos habitudes peuvent sembler surprenantes à quelqu’un d’autre.

Et c’est aussi ce que j’aime dans les carnets d’urban sketchers. Même si je connaissais déjà un peu cette pratique, je suis toujours fascinée par le dynamisme qui se dégage de leurs carnets. En quelques traits, quelques taches de couleur et parfois quelques minutes seulement, ils arrivent à donner une impression de mouvement, de vie et d’instantanéité.

C’est une façon de dessiner qui me semble très différente de mon travail habituel, mais qui me donne justement envie d’expérimenter.

Et puis il y avait la question de la couleur

Un autre aspect m’a particulièrement intéressée pendant cette soirée : les palettes utilisées par les différents participants.

En tant que fabricante d’aquarelles, forcément, je ne pouvais pas m’empêcher de regarder ce que les autres avaient dans leurs boîtes !

Et j’ai découvert qu’il n’existe pas une seule manière de construire sa palette pour faire de l’urban sketching.

Certains travaillent avec une palette extrêmement réduite, parfois avec seulement quelques couleurs soigneusement choisies. D’autres ont leurs couleurs fétiches, qu’ils utilisent presque systématiquement, même lorsqu’elles ne correspondent pas à des couleurs monopigmentaires (les classiques à mon sens comme vert phtalo, rose quinacridone, bleu outremer, etc).

Et puis il y a ceux qui utilisent la couleur de manière beaucoup plus libre.

J’ai vu des scènes peintes avec du rose fluorescent, ou avec des couleurs qui ne correspondaient absolument pas à celles que l’on avait sous les yeux. Pas forcément pour rechercher un effet extravagant : simplement parce que c’était leur manière de traduire ce qu’ils voyaient ou ressentaient. J’ai trouvé ça très intéressant.

Quand on peint une scène observée directement, on pourrait avoir tendance à se dire qu’il faut essayer de reproduire les « vraies » couleurs. Or, les carnets que j’ai vus montrent justement qu’il n’y a pas forcément de bonne couleur. Chacun fait ses choix.

Cela m’a même amenée à réfléchir à ma propre palette minimale. Si je devais partir dessiner avec seulement quelques godets, quelles seraient vraiment les couleurs dont je ne pourrais pas me passer ? Si tu as envie de me dire en commentaire quelle est ta sélection minimale de couleurs pour peindre, je te lirai avec plaisir.

Il n’y a pas une seule bonne façon de regarder

Une autre chose que j’ai progressivement comprise en découvrant l’urban sketching, c’est que l’objectif n’est pas forcément de reproduire fidèlement ce que l’on a devant les yeux. Et du coup, c’est moins intimidant.

On pourrait facilement imaginer que, puisque l’on dessine d’après observation, il faut respecter les proportions, la perspective, les couleurs et tous les détails du lieu. Mais ce n’est pas vraiment l’idée. Un croquis traduit avant tout le regard de la personne qui le réalise.

Et c’est probablement ce qui explique la diversité incroyable des carnets et des styles que l’on peut rencontrer chez les urban sketchers. Certains vont rechercher une représentation très précise, tandis que d’autres vont volontairement simplifier, exagérer ou déformer certains éléments pour transmettre quelque chose de leur expérience du lieu.

Même la perspective peut devenir un terrain de jeu.

Pendant le Symposium de Toulouse, certains ateliers proposaient justement d’explorer des façons de déformer la perspective plutôt que de chercher systématiquement à la respecter. Cela m’a beaucoup intéressée : les règles du dessin ne sont pas forcément là pour être suivies à la lettre, elles peuvent aussi être utilisées pour raconter quelque chose.

C’est finalement assez proche de ce que je recherche dans l’illustration : il ne s’agit pas toujours de reproduire le monde tel qu’il est, mais de trouver la manière dont on a envie de le raconter.

Et cela rejoint aussi une autre chose que j’ai beaucoup observée chez les débutants : la peur de dessiner les personnes.

Moi-même, ce soir-là, j’ai préféré supprimer les passants de mon dessin.

Je m’étais dit que j’ajouterais quelques silhouettes à la fin, une fois le décor terminé. Finalement, je n’ai jamais eu le temps de le faire et mon dessin est resté sans aucun personnage. Et ce n’est pas grave. Je crois que c’est justement en pratiquant que chacun trouve progressivement sa façon de représenter ce qui l’entoure.

Les silhouettes, les bâtiments, la perspective, les couleurs, les détails… Tout cela évolue avec le temps et avec la pratique.

Il n’y a donc pas vraiment besoin de savoir « faire de l’urban sketching » avant de commencer. Il suffit de commencer à regarder et à dessiner, puis de laisser son propre style se construire petit à petit.

Ce que cette expérience m’a apporté

Au départ, je pensais surtout que l’urban sketching n’était pas vraiment pour moi.

Je ne dessine pas habituellement des rues ou des bâtiments. Je travaille seule, dans mon atelier, avec mes habitudes, mes outils et mes sujets de prédilection. Et surtout, j’avais cette petite appréhension de dessiner devant les autres, avec cette impression que mon dessin allait forcément être regardé et jugé.

En réalité, c’est presque l’inverse qui s’est produit.

Le fait d’être entourée de personnes concentrées sur leur propre dessin m’a permis de me concentrer davantage sur le mien. J’ai pu essayer, me tromper, demander un conseil, observer les autres et simplement continuer.

Je n’avais pas besoin de produire un beau dessin. Il suffisait que je dessine.

Et je crois que c’est ce que je retiens surtout de cette expérience.

L’urban sketching m’a permis de sortir de mes habitudes, mais sans me demander de devenir quelqu’un d’autre. J’ai pu partir de ce qui m’intéressait (la lune) et l’utiliser pour entrer dans une pratique qui m’était étrangère.

Je ne sais pas si je deviendrai un jour une véritable urban sketcher. L’étiquette me fait bien moins peur à présent. Je sais maintenant que je peux m’asseoir quelque part avec un carnet, regarder autour de moi et commencer à dessiner.

Bonjour ! Aujourd’hui, je vous partage un petit travail d’aquarelle réalisé durant le challenge de la Folktale Week de 2025.

La Folktale Week est un challenge créatif qui dure une semaine et qui a lieu chaque année en novembre sur les réseaux sociaux. Ce défi créatif fonctionne sur le même principe que Inktober, excepté que ce challenge tourne autour des contes et des histoires, et ne dure qu’une seule semaine.

Je prends plaisir chaque année à participer à cette session d’illustrations à l’aquarelle. Pour 2025, j’ai décidé de profiter de la sortie du set d’aquarelles artisanales Peau d’âne, et j’ai utilisé essentiellement les couleurs de cet assortiment pour peindre des scènes du conte écrit par Charles Perrault.

Le prompt de cette année était le suivant :

J’ai donc sélectionné quelques passages du conte à illustrer. Pour certains, j’ai dû extrapoler évidemment. C’est le cas de la proposition « écho »… Il n’est pas question d’écho à proprement parler dans le conte Peau d’âne.

Je vais profiter de que le conte est en ligne et accessible gratuitement pour vous en proposer un résumé accompagné de mes six illustrations. Ainsi, si vous voulez lire la version originale (ou même la version moderne) vous le pouvez. Et si vous avez envie simplement de parcourir mon travail, il est contextualisé.

Comme je n’avais pas beaucoup de temps à accorder au challenge cette année, j’ai décidé de peindre sur des petits formats d’environ 10 cm par 6 cm (plus petit que le format carte postale). J’ai peint en trois heures environ les illustrations. J’ai fait des dessins minimalistes, sans trop passer de temps sur les détails afin de laisser les couleurs se dévoiler à l’aquarelle.

Dans un royaume, la reine mourante fait promettre à son roi de ne se remarier qu’avec une femme plus belle et plus vertueuse qu’elle-même.

Le roi dévasté tient sa promesse. Pendant un temps il s’abandonne à son chagrin. Il hurle sa détresse à travers son royaume, seul l’écho de ses pleurs lui répond.

Puis, pressé par ses conseillers, il finit par céder et reçoit des belles dames des quatre coins du monde. Mais aucune n’est aussi belle ni aussi vertueuse que la défunte reine. Jusqu’au jour où il finit par s’apercevoir que sa fille bien-aimée pourrait bien être la seule femme qui lui permette de tenir sa promesse…

Épouser sa fille, mais quelle bonne idée ! Si les scrupules n’ont pas freiné le roi, son héritière, elle, n’en démord pas : hors de question de se marier avec son géniteur. Mais comment lui dire non ?

La princesse demande alors l’aide de sa marraine la fée des Lilas. Cette dernière l’encourage à réclamer des cadeaux difficiles à obtenir à son père. S’il ne peut pas contenter la princesse, il ne l’épousera pas.

Or, le roi parvient sans grandes difficultés à offrir à sa fille d’abord une robe couleur du temps, puis une robe couleur de la lune, et enfin, une robe couleur du soleil.

Dépitée, la marraine finit par suggérer à la princesse d’exiger la peau de l’âne chéri du roi. Car cet âne, au lieu de déjections habituelles, rend des pièces et des écus.

Mais le roi ne rechigne pas et sacrifie son âne. Il ne reste plus que la fuite pour éviter ce mariage incestueux.

C’est sous la pluie que la jeune princesse, enveloppée de la peau d’âne, s’échappe du château.

La princesse, vêtue de sa peau d’âne, et la trogne barbouillée de charbon, finit par se faire accepter dans une ferme, loin du royaume de son père. Là, elle s’occupe de « laver les torchons, nettoyer les dindons et l’auge des cochons ».

En secret, parfois, il lui arrive de revêtir ses belles robes. Un jour, le prince de ce royaume l’aperçoit par le trou d’une serrure alors qu’elle porte une de ses belles tenues.

Il en tombe amoureux immédiatement. Les villageois ne la connaissant que sous le nom de Peau d’âne la dénomment ainsi devant le prince.

Il finit par rentrer chez lui transi d’amour et tombe malade. Ses parents, pour lui faire plaisir, lui obtiennent un gâteau préparé par Peau d’âne.

Réfugiée à l’abri des regards, Peau d’âne se débarbouille pour préparer son gâteau. La magie est partout autour d’elle : la baguette qui fait apparaître la caissette contenant ses robes… mais aussi sa tranquillité dans sa petite maisonnette. Sa marraine la fée des Lilas veille sur elle.

Tandis qu’elle cuisine son gâteau, sa bague glisse de son doigt. Une belle émeraude sur un anneau d’or. Le fait-elle exprès ou est-ce un accident ?

Quand le gâteau est enfin délivré, le prince l’engloutit et manque de s’étouffer avec l’anneau…

Le prince garde la bague près de lui et pense sans arrêt à la jeune fille à qui elle appartient. Il finit par faire de la fièvre et les médecins diagnostiquent : il est malade d’amour.

Le roi et la reine, ses parents, viennent le voir et lui demandent de dire qui il veut épouser. Le prince explique qu’il épousera celle à qui la bague ira. Le roi fait alors annoncer dans toute la ville que toutes les jeunes filles peuvent venir l’essayer, et que celle à qui elle ira deviendra l’épouse du prince.

S’en vient une scène mémorable et truculente où princesses, baronnes, marquises et dames du royaume s’en viennent essayer ladite bague. Mais elle ne convient à personne. Jusqu’à l’apparition de Peau d’âne… Ô surprise, la bague lui sied parfaitement !

La joie du prince est immense, et celle de ses parents pas moins. Car la fée des Lilas apparaît alors et raconte l’histoire de Peau d’âne.

La première invitation à leur mariage est envoyée au père de la princesse, ravi de retrouver celle-ci en bonne santé.

Le prince fut couronné par son père et le couple royal vécut heureux et amoureux.

Voilà, j’espère que ces petits formats à l’aquarelle vous auront donné envie de lire le conte si vous ne le connaissiez pas. C’est évidemment un de mes contes préférés…

Si le set Peau d’âne vous intéresse, il sera disponible sur cette page :

Si vous souhaitez en savoir plus sur les quatre aquarelles duochromes du set Peau d’âne, j’ai rédigé un article pour parler des coulisses de fabrication et de mes inspirations.

Si vous souhaitez voir une partie de cet article de blog en vidéo tutoriel, voici le lien !

Colorisation à l’aquarelle : les bases pour un résultat réussi (même avec peu de matériel)

Vous aimez colorier des illustrations imprimées ou utiliser des tampons pour ajouter une touche créative à vos projets ? Vous avez envie de vous lancer dans l’aquarelle sans vous compliquer la vie ? Cet article est pour vous.

Quand on utilise de l’aquarelle sur du papier « classique », souvent peu épais ou lisse (par exemple du papier multi-technique ou du papier aquarelle à petit prix), il y a quelques petites règles à connaître pour éviter les mauvaises surprises.

Petite précision : cet article s’adresse à vous même si vous tamponnez ou même si vous comptez peindre des coloriages imprimés sur du papier dit « pour l’aquarelle » en cellulose. En effet, selon la qualité dudit papier, le résultat est parfois assez proche de ce qu’on retrouve sur des papiers multi-techniques.

Si vous souhaitez en savoir plus sur le papier pour l’aquarelle, je vous propose de lire cet article : Comment choisir son papier aquarelle ?

Gérez l’eau avec justesse

L’aquarelle, c’est avant tout une histoire d’eau… mais pas trop ! Si votre papier n’est pas épais (moins de 300 g/m²), il peut vite gondoler ou se déchirer.

Quelques conseils simples :

Le pinceau ne dégouline pas d’eau

Utilisez un pinceau essoré, chargé mais pas dégoulinant. Vous pouvez par exemple tapoter légèrement le pinceau sur un essuie-tout ou un essuie-pinceaux lavable avant de peindre.

La préparation de votre couleur en amont

Utilisez une palette de mélange (ou une assiette), plutôt que d’aller directement piocher la couleur dans le godet d’aquarelle. De cette façon vous obtenez la couleur que vous souhaitez sans mauvaise surprise : pigments mal mélangés, pinceau trop chargé en pigment, couleur trop diluée…

Pour les plus pressé(e)s…

Si vous n’avez pas de palette de mélange : humidifiez le godet en vaporisant un peu d’eau dessus, ou déposez une goutte d’eau dans le godet ou frottez votre pinceau bien mouillé. Mélangez bien, puis prenez de la couleur avec le pinceau.

Attention, cela ne vous permettra pas de peindre une grande surface de papier d’un coup. Et ce n’est pas très économique car vous risquez de gaspiller de l’aquarelle en chargeant trop le pinceau et en le rinçant juste derrière.

On teste sa couleur !

Et testez votre couleur sur un autre papier avant de peindre la version finale ! Cela vous évitera de découvrir que votre couleur est trop foncée ou trop diluée. Ou carrément que ce n’est pas la couleur que vous vouliez (car l’aquarelle sèche dans son godet n’est pas de la même couleur que celle obtenue sur papier).

N’abusez pas de la quantité d’eau

Privilégiez plusieurs fines couches plutôt qu’une seule très mouillée. Même un papier cellulose de qualité moyenne supporte mieux deux ou trois couches d’aquarelle (avec un temps de séchage entre chacune) plutôt qu’une couche très chargée en eau. Cela vous évitera d’imbiber le papier d’eau, de le fragiliser et de le déchirer.

On fixe le papier !

Fixez votre papier avec du masking tape ou du ruban de peintre sur une planche rigide (préférable à votre bureau pour pouvoir tourner le dessin) avant de commencer, surtout si vous souhaitez mouiller un peu plus certaines zones. De cette manière il gondolera beaucoup moins. Petite astuce : vous pouvez aussi laisser votre aquarelle entre deux livres pendant quelques temps (c’est valable pour un carnet).

Si vous peignez dans un carnet de coloriage, vous pouvez quand même fixer le tout.

Avec ces petits gestes, votre expérience sera bien plus agréable. Et vous aurez des résultats plus vibrants et plus maitrisés.

Bonus : Faire ressortir la granulation de l’aquarelle sur papier lisse

Vous utilisez des aquarelles granuleuses mais votre papier est tout lisse ? Pas de panique, vous pouvez quand même mettre cette belle texture en valeur.

Voici une technique toute simple : l’humide sur humide

1. Humidifiez légèrement la zone à peindre avec de l’eau propre. Le papier doit briller sans faire des « flaques » d’eau.
2. Déposez ensuite votre aquarelle, soit très concentrée directement, soit en plusieurs couches jusqu’à l’intensité souhaitée. Prenez bien en compte que votre papier étant déjà mouillé, il ne faut pas que votre pinceau soit trop chargé en eau (revenez donc aux premiers conseils plus haut).

Cette technique appelée « mouillé sur mouillé » ou « humide sur humide » est expliquée dans cet article de blog : 4 techniques de base à l’aquarelle pour débutants.

Alternative ou technique complémentaire : rajouter de l’eau

Vous pouvez aussi peindre normalement, puis revenir ajouter un peu d’eau claire par endroits pour « réveiller » la granulation.

Pour ce faire, soit vous rincez votre pinceau et vous le trempez dans l’eau propre, soit vous le trempez de nouveau dans votre jus (la couleur préparée dans votre palette de mélange). Tentez en essorant le pinceau sur un essuie-tout (en le posant simplement dessus) puis sans l’essorer. Selon la taille de votre pinceau, il déposera ainsi plus ou moins d’eau.

Jouez avec votre support pour que les pigments voyagent

La plupart du temps, laissez sécher à plat, sans trop bouger le papier, pour que la granulation se pose joliment. Ou au contraire, inclinez votre support pour que les pigments bougent en suivant les mouvements de l’eau. Amusez-vous !

Ces conseils fonctionnent très bien avec les pigments naturels ou certaines couleurs spéciales comme celles que je propose dans la Couleur Éphémère.

Si la granulation est un sujet qui vous intéresse, j’ai approfondi le sujet dans cet article : La granulation à l’aquarelle.

Et pourquoi pas un fond à l’aquarelle, puis un tampon par-dessus ?

Envie de varier un peu ? Vous pouvez aussi créer un fond à l’aquarelle, puis tamponner votre motif par-dessus une fois sec. Voici un pas à pas simple :

1. Fixez votre papier sur un support rigide à l’aide de masking tape.
2. Choisissez quelques couleurs d’aquarelle et réalisez un fond simple (lavis, taches, dégradés…).
3. Laissez bien sécher. Si vous êtes pressé(e), un petit coup de sèche-cheveux à basse température peut aider.
4. Une fois le papier bien sec, tamponnez votre motif à l’encre permanente (type Versafine ou Archival).
5. Vous pouvez repasser certains traits au stylo noir pour plus de contraste.

Pour plus d’idées pour peindre des fonds à l’aquarelle, lisez cet article : 6 techniques pour faire un fond à l’aquarelle.

Bonus : mon matériel préféré pour coloriser des tampons à l’aquarelle

Le papier

Même si j’apprécie beaucoup de peindre sur du 100% coton, pour coloriser des motifs tamponnés, j’utilise plutôt du papier épais mais lisse. Ainsi, toute la finesse du motif ressort parfaitement. Mes papiers préférés :

• le papier aquarelle vendu par La Compagnie des elfes : hyper lisse, sèche rapidement, ne rejette pas l’aquarelle.
• le papier multi-technique de Rougier et Plé : il a les mêmes avantages mais il est plus fin. Je préfère plus épais mais c’est une question de goût.

Les tampons

Je suis une amoureuse inconditionnelle des beaux tampons de La Compagnie des Elfes : ils sont fabriqués en France par une artisane consciencieuse et qui propose un large catalogue de choix. Ils sont de bonne qualité, les motifs sont toujours très fins et ils vieillissent très bien. L’avantage : ils peuvent être achetés non montés sur bois. Ils sont alors collés sur une mousse électrostatique – ce qui fait qu’avec un seul support, vous pouvez tamponner n’importe quel tampon. Quel gain de place !

Mes motifs préférés (en dehors de ses nouvelles collections qui sortent régulièrement)

• les feuillages et fleurs dans un style vintage
• les oiseaux sur leur branche

L’encre

J’utilise trois encres waterproof pour tamponner avant de peindre, avec une grande préférence pour la première que je trouve vraiment belle :

• l’encre Finesse by Spectrum noire (bien noire, précise)
• l’encre Versafine (chasse un peu l’aquarelle, ça peut donc être sympathique de tamponner en sepia par exemple)
• l’encre Archival ink de Ranger (moins saturée que les deux précédentes)

L’aquarelle

Je ne pense pas que vous serez surpris si je vous dis que j’utilise évidemment mes aquarelles artisanales. Comme je peins des illustrations dessinées à la main et que je colorise également des tampons, j’ai quand même quelques conseils en ce qui concerne la colorisation – ma pratique de l’aquarelle étant différente alors.

• J’utilise de préférence des aquarelles semi-transparentes ou transparentes. Pour les couleurs semi-opaques, je les dilue bien – quitte à repasser plusieurs couches pour avoir la saturation voulue. Cela afin de ne pas masquer le motif préalablement tamponné.
• J’aime peindre de façon très diluée sauf quelques détails pour ne pas « saturer » les motifs que je tamponne qui sont souvent déjà bien beaux et pleins de détails.

Mes couleurs préférées pour coloriser :

• Coré, un beau rose bien flashy et semi-transparent
• Somnia, un rouge orangé saturé semi-transparent
• Ouranos, un bleu clair granuleux
• Khors, un jaune semi-transparent un peu chaud

N’hésitez pas à jeter un œil à ma Boutique et à me demander conseils, je serai ravie de vous aider à choisir vos couleurs. Et si vous avez envie de découvrir une aquarelle artisanale différente chaque mois, pensez à l’abonnement à la Couleur Éphémère !

J’espère que ces quelques conseils vous permettront de vous lancer dans la colorisation avec moins d’appréhension et avec beaucoup de plaisir ! Si vous avez des questions, l’espace commentaire est là pour ça !

Qu’est-ce qu’un DTIYS ? Un défi créatif pour les aquarellistes

Le DTIYS, acronyme de « Draw This In Your Style » (traduit par « Dessine ceci dans ton style »), est un défi artistique populaire sur les réseaux sociaux, notamment sur Instagram. Le principe est simple : un(e) artiste partage une illustration originale, invitant d’autres créateurs à la réinterpréter dans leur propre style artistique.

Je propose moi-même un DTIYS chaque année, à l’anniversaire de la Palette de la Merlette (en mai).

Pourquoi participer à un DTIYS ?

Il y a plusieurs intérêts à participer à ce type de challenge créatif.

1. Stimuler la créativité : Ce défi offre une base de travail, permettant de se concentrer sur l’expression personnelle sans partir de zéro. C’est un défi idéal si vous ne savez pas quoi peindre !
2. Développer son style personnel : En adaptant une œuvre existante, les artistes (débutants ou professionnels) peuvent explorer et affiner leur propre style. Il suffit d’identifier un ou plusieurs éléments reproductibles à votre niveau et de les refaire à votre sauce.
3. Créer des liens avec la communauté : Participer à un DTIYS favorise les échanges avec d’autres artistes et permet de découvrir de nouvelles personnes. C’est typiquement le genre de challenge durant lequel j’ai découvert des artistes que je n’aurais jamais découverts autrement.
4. S’exercer techniquement : Reproduire une illustration dans son style permet de pratiquer différentes techniques et d’expérimenter de nouveaux médiums. Par exemple, au lieu de se concentrer sur le dessin, vous pouvez choisir de vous exercer à l’harmonie des couleurs !

Le DTIYS et l’aquarelle

L’aquarelle, avec sa transparence et sa fluidité, se prête particulièrement bien au DTIYS. Les artistes peuvent jouer avec les nuances, les superpositions et les effets de lumière pour réinterpréter l’œuvre originale. Que ce soit en utilisant des techniques traditionnelles ou en combinant l’aquarelle avec d’autres médiums, les possibilités sont vastes. Bien sûr, rien n’oblige d’utiliser l’aquarelle ! Et il est possible d’utiliser un médium différent de celui utilisé dans l’illustration originale.

Je suis en amour de l’aquarelle, alors je trouve ça toujours très sympa de reprendre une illustration réalisée en digitale ou à la gouache, car ça me permet de me demander comment réaliser ceci ou cela à l’aquarelle. De même, quand l’illustration originale est à l’aquarelle, cela me permet de me demander comment je vais réussir à reproduire le même résultat sans connaître les étapes de process créatif de l’artiste.

Comment participer à un DTIYS ?

1. Choisir un DTIYS : Recherchez des défis en cours sur Instagram en utilisant des hashtags tels que #DTIYS ou #DrawThisInYourStyle.
2. Créer votre version : Réalisez votre interprétation de l’illustration en respectant les éléments clés tout en y apportant votre touche personnelle.
3. Partager votre œuvre : Publiez votre création sur les réseaux sociaux en mentionnant l’artiste original et en utilisant les hashtags appropriés (par exemple, certains artistes créent pour l’occasion un # pour regrouper toutes les participations). Depuis plusieurs mois, cette pratique est moins courante car les # ne sont plus aussi utilisés par la plateforme pour regrouper TOUT ce qui est publié.
4. N’oubliez pas d’intégrer l’œuvre originale dans votre publication avec une capture d’écran depuis le post de l’artiste. Puis, lors de la création de votre publication, sélectionnez plusieurs images pour créer un carrousel. Ajoutez votre version de l’illustration en premier, suivie de l’œuvre originale.
5. Respecter les règles : Certains DTIYS peuvent avoir des contraintes spécifiques (palette de couleurs, date limite, etc.). Assurez-vous de les suivre.

Conseils pour réussir votre DTIYS à l’aquarelle

• Étudiez l’illustration originale : Identifiez les éléments essentiels à conserver dans votre version.

Les questions qui peuvent vous aider : Quels sont les sujets ? Les personnages ? Identifiez-vous un lieu ou une époque ? Est-ce abstrait ou réaliste ? Y a-t-il une dominante dans les couleurs ? Une émotion est-elle suggérée ?

• Appropriez-vous les éléments qui vous semblent accessibles !
• Transformez ce qui vous pose des difficultés : vous ne savez pas dessin en 3D ? Dessinez en 2D ! Vous ne savez pas dessiner de personnage ? Dessinez un animal à la place. Essayez de garder en tête l’illustration d’origine mais amusez-vous ! Personne ne vous punira pour avoir pris beaucoup de libertés.
• Expérimentez : N’hésitez pas à tester différentes techniques (mouillé sur mouillé, lavis, etc.) pour enrichir votre interprétation.
• Partagez votre processus : Documenter les étapes de création peut intéresser votre audience et favoriser les échanges. Ne restez pas tout(e) seul(e) dans votre coin, demandez de l’aide !

Conclusion

Le DTIYS est une excellente opportunité pour les aquarellistes de développer leur style et de s’inspirer d’autres artistes. En participant à ces défis, vous enrichissez votre pratique artistique tout en contribuant à une communauté créative dynamique. Gardez à l’esprit que si vous êtes là pour vous amuser, il s’agit toujours de rendre à César ce qui appartient à César : nommez bien l’artiste, montrez bien son travail original, et ne vous appropriez pas l’illustration finale comme étant une de vos œuvres originales sans l’accord de l’artiste…